« Mary Shelley’s Frankenstein » est une adaptation presque parfaite


Il y a peu de mots plus synonymes d’horreur que Frankenstein. L’histoire du talentueux mais narcissique Victor Frankenstein et de sa quête malavisée pour réanimer les morts est sans doute le conte le plus durable du genre, et sa flexibilité a permis un flux constant d’interprétations nouvelles qui en ont fait un favori pour les écrivains en herbe du monde entier. Cela fait plus de deux cents ans que Marie Shelley a composé son ode lugubre à la négligence parentale et à l’expérimentation scientifique qui a mal tourné pendant l’hiver volcanique de 1816 (la soi-disant année sans été), et bien que le temps n’ait rien fait pour diminuer son éclat, l’approche laxiste adoptée par ses innombrables adaptations dans le années depuis a fait apparaître l’histoire originale de plus en plus disparate. Le roman de Shelley est une bête très différente de ce que des siècles de réimaginations ont décidé que l’image stéréotypée devrait être, et bien que quelques-uns aient flirté avec le fait de se rapprocher de sa vision, aucun n’a mieux embrassé cette idée que Kenneth Branaghest bien intitulé Frankenstein de Mary Shelley – un film imparfait mais néanmoins convaincant qui reste l’adaptation la plus forte de la plus grande histoire d’horreur.

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Le roman original de Shelley est très différent du Frankenstein intégré à la culture pop aujourd’hui

Image via Shout ! Studios

Avant de discuter du film lui-même, il convient d’établir ce qui a fait du roman le chef-d’œuvre qu’il est. En termes simples, tout se résume à la subtilité. Des scènes de paysans brandissant des fourches ou de savants fous criant « C’est vivant ! » pourrait faire une bonne iconographie, mais ils sont l’antithèse de ce que Shelley a conceptualisé. Son histoire a prospéré dans les moments calmes, avec des conversations énigmatiques sur la nature de la responsabilité et sur la façon dont l’environnement dans lequel nous sommes élevés détermine le type de personne que nous devenons prenant le pas sur les décors bruyants et excitants. Le roman peut porter la façade de l’horreur, mais en réalité, il est plus proche d’un mélodrame philosophique, Shelley utilisant les éléments les plus sanglants comme tremplin pour explorer des idées plus larges sur la condition humaine. Il est remarquable que ses séquences les plus effrayantes soient laissées presque entièrement dans l’ombre (comme la façon dont Victor donne vie à la créature), donnant à l’histoire une qualité mystique qui renforce l’idée que ce que nous ne voyons pas est plus effrayant que ce que nous faisons.

De loin, la plus grande déviation vient de la créature (titulaire?). Depuis Boris Karlof a revêtu le maquillage le plus emblématique du cinéma d’horreur, l’idée préconçue selon laquelle le monstre est une abomination à la peau verte avec des boulons dans le cou et un vocabulaire qui s’étend à quelques mots est devenue si fermement ancrée dans la culture populaire qu’il est sacrilège de suggérer le contraire. En réalité, cependant, son pendant littéraire est le jour et la nuit par rapport à ce qu’Hollywood nous a dit qu’il devrait faire. La création de Shelley n’était pas un monstre mais un personnage entièrement tridimensionnel, doté d’une maîtrise exceptionnelle du langage grâce à son amour pour Milton qui s’avère bénéfique pour décrire la douleur et la blessure qu’il a subies après avoir été rejeté par un monde qu’il comprend à peine. Il y a un sentiment récurrent qu’il n’agit comme un monstre qu’en raison de la lâcheté de Victor après l’avoir créé, et s’il avait affronté plutôt qu’évité ses problèmes, alors la traînée de corps qui aboutit finalement à leur mort aurait pu être évitée. Ce ne sont pas des héros, mais ce ne sont pas non plus des méchants manifestes, et la réticence de Shelley à les mettre dans des cases clairement définies est ce qui en fait des personnages si fascinants.

Mais une approche aussi nuancée s’avère gênante lorsqu’il s’agit de régurgiter cette histoire sous la forme d’un divertissement grand public, ce qui explique pourquoi les futures adaptations ont minimisé sa profondeur thématique au profit de ses parties les plus accessibles. Dès les premières productions scéniques dans les années 1820, des changements ont été apportés pour augmenter ses aspects commerciaux, mais il était James Baleinefilm classique de 1931 lorsque la perception générale de Frankenstein passe à sa forme moderne. La caractérisation du monstre, le ton général, toute l’intrigue en dehors d’un synopsis en une ligne – tous différents, Whale prenant le cadre de base fourni par Shelley et le plaçant dans un récit plus gérable, le bien contre le mal. Il est important de ne pas prendre cela comme une critique de Whale – il n’y a rien de mal à donner de nouveaux rebondissements à des histoires classiques, et Fiancée de Frankenstein est l’une des meilleures suites de tous les temps pour une bonne raison – mais son impact durable sur le cinéma a rendu difficile pour les futures adaptations d’échapper à son ombre.

« Mary Shelley’s Frankenstein » est l’adaptation la plus fidèle du roman

La créature, jouée par Robert De Niro, lisant un livre dans 'Mary Shelley's Frankenstein'
Image via TriStar Pictures

C’est le fait que Frankenstein de Mary Shelley évite ce qui le rend si remarquable. Branagh avait démontré une passion pour l’adaptation d’œuvres littéraires classiques qui se conformaient avec diligence à leur matériel source avec Henri V et Beaucoup de bruit pour rien, et apparemment le jeune acteur devenu cinéaste tenait à projeter cet amour dans des histoires autres que celles provenant du Barde. En conséquence, il s’est mis à créer un récit fidèle du roman de Shelley qui adhèrerait à son histoire et à ses thèmes dans la mesure du possible, et bien que Branagh n’ait pas pu s’empêcher d’apporter quelques changements (il est clair que son amour indéfectible pour Shakespeare reste invaincu), il a largement réussi. . Frankenstein de Mary Shelley était la première adaptation sur grand écran qui se sentait réellement fidèle au matériel source, lui donnant une identité distinctive qui reste unique à ce jour.

Cet état d’esprit est évident dès le départ, avec Frankenstein de Mary Shelley en conservant le dispositif de cadrage situé dans la mer Arctique que toutes les autres versions ont ignoré (dommage, car c’est la métaphore parfaite de l’isolement de Victor). Après que Victor (Branagh) ait été secouru par l’équipage d’un navire piégé, il raconte les circonstances horribles qui l’ont conduit à cet endroit dans l’espoir que cela apaisera les obsessions folles similaires qu’il peut voir se développer chez le capitaine du navire. Il raconte ses tentatives infructueuses de jouer à Dieu après la mort de sa mère, et comment il en vint immédiatement à regretter ses expériences après avoir contemplé la créature hideuse (Robert de niro) qu’il avait créé. Lorsqu’il commence son histoire, tous les marins le croient fou, mais il ne faut pas longtemps avant qu’ils partagent eux aussi sa folie.

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Bien que les événements qui suivent ressemblent à d’autres adaptations — rejetées par celui qui lui a donné la vie, la créature se lance dans une violente croisade qui culmine dans le meurtre de l’épouse de Victor, Elizabeth (Helena Bonham Carter) – Branagh évite la tentation de transformer les choses en un autre film de monstre cliché. Les thèmes qui ont fait du roman de Shelley un tel triomphe restent au centre des préoccupations ici, le film soulevant constamment des questions difficiles sans fournir beaucoup de réponses. De la même manière, Frankenstein de Mary Shelley se penche également davantage sur l’ambiguïté morale de ses pistes. Victor en particulier apparaît comme un personnage beaucoup plus méchant dans la mesure où le public finira par réévaluer la notion de longue date selon laquelle « Frankenstein n’est pas le nom du monstre ». En revanche, la créature apparaît comme une figure plus sympathique, et sa brève amitié avec un aveugle qui est tragiquement interrompue lorsque sa famille revient est facilement la séquence la plus puissante du film. De Niro peut sembler un choix étrange, mais il puise dans le cœur émotionnel du rôle avec une facilité surprenante, prouvant que la création de Frankenstein mérite plus que d’être qualifiée de simple monstre de cinéma.

Mais une distribution solide et des thèmes intéressants ne signifient rien sans un scénario solide pour tout lier, et c’est ici que Frankenstein de Mary Shelley libère son plus grand atout — la présence de Franck Darabont sur les tâches de scénariste. Darabont avait déjà prouvé son talent pour écrire de l’horreur efficace avec des films comme Un cauchemar sur Elm Street 3 et Le blobet après avoir étendu ses compétences à la réalisation avec Le rachat de Shawshank (sorti la même année que Frankenstein de Mary Shelley), il ne faisait aucun doute qu’il était aussi l’un des plus grands conteurs d’Hollywood. Sur papier, FrankensteinLe mélange contre nature de travail profond sur les personnages et de sujets terrifiants devrait correspondre parfaitement à Darabont – et heureusement, c’est exactement ce que c’était. Ensemble avec Steph Dame (qui a écrit le premier brouillon), Darabont a réussi à créer une interprétation étrangement belle du roman de Shelley qui n’a sacrifié aucune de ses connotations gothiques ou réflexions théoriques au nom de frayeurs bon marché. C’est formidable, et la lecture de son script en ligne ne vous laissera aucun doute sur la raison pour laquelle il a depuis atteint un statut presque légendaire dans la communauté de l’horreur.

En fin de compte, le style de mise en scène théâtral de Branagh s’est heurté au matériau source

Kenneth Branagh et Helena Bonham Carter ont l'air choqués et bouleversés au milieu d'une foule dans 'Mary Shelley's Frankenstein'
Image via TriStar Pictures

Donc quel est le problème? Le problème, malheureusement, revient à l’homme qui dirige le projet. Kenneth Branagh est un réalisateur talentueux, mais la subtilité n’a jamais été une technique pour laquelle il a eu beaucoup de temps, résultant en une filmographie qui joue éternellement au volume le plus fort possible. Un travail de caméra rapide, une conception de production somptueuse et des performances plus grandes que grandes se sont avérées être une excellente décision créative lorsqu’il les déployait dans ses adaptations de Shakespeare, mais lorsqu’elles étaient associées à des matériaux aussi discrets que Frankenstein, ils sont un affrontement complet. C’est tout simplement trop exagéré, avec chaque seconde exécutée sous le poids d’une telle ferveur soulignant que même quelqu’un qui passe tout le film à faire défiler son fil Twitter repartira avec une compréhension décente de ce que tout signifiait… en supposant qu’il n’avait pas été transformé par la comédie involontaire, c’est-à-dire. Prenez la scène de la résurrection, par exemple. Cela devrait être un moment obsédant lorsque Victor réalise enfin que son orgueil est allé trop loin, mais à la place, Branagh le tourne comme une séquence d’action explosive qui donne l’impression qu’il a mis en pause son film d’horreur sérieux pour auditionner pour le prochain film de Tarzan (pourquoi d’autre se balance-t-il autour de chaînes sans chemise ?). C’est idiot, et cela sape tout l’intérêt de faire un récit fidèle du livre.

Pris dans son ensemble, Frankenstein de Mary Shelley est un film étrange. À bien des égards, c’est plutôt bon, voire génial, mais toutes les raisons pour lesquelles c’est si bon sont dues à des choses que Mary Shelley avait écrites deux siècles plus tôt. Contrairement à sa version de 1996 de Hamlet, La direction de Branagh n’élève ni ne complète le matériel de manière significative (au contraire, elle fait le contraire), mais cela ne signifie pas que le film est sans mérite. Il est difficile de nier que ses intentions étaient tout sauf positives, et sa détermination enragée à adapter le roman de Shelley sans capituler devant les exigences laissées par ses prédécesseurs le rend digne d’éloges. Malgré tous ses défauts, il est impressionnant de constater à quel point il a pu maintenir la complexité et la tragédie de l’histoire originale, et le résultat est le plus proche que nous ayons jamais vu pour voir l’opus magnum de Shelley réalisé sur grand écran. Dans un autre monde, le scénario de Darabont aurait été réalisé par un cinéaste plus sobre. Nous ne vivons pas dans ce monde, et Branagh a quand même fait une sacrée tentative respectable, et il y a quelque chose d’admirable à ce sujet.

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