Le Oneer Shot de Tár définit les points forts du film


Champ de Toddc’est Entrepôtson premier film depuis 2006 Petits enfants, est un exercice de pouvoir. Lu comme une exploration de la culture de l’annulation ou de ceux qui s’y opposent, le film est vaste au-delà des seules questions de critique culturelle. Lorsqu’un public s’engage à Entrepôt, ils s’engagent à assister à une disgrâce très lente. Il y a cependant une première scène qui capture l’essence du film en un long plan impressionnant et nous dit tout ce que nous devons savoir sur l’endroit où notre personnage principal finira.


Qui est Lydia Tar ?

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À travers les salles de réunion grises et les restaurants berlinois, nous suivons Lydia Tár (Cate Blanchett), l’une des plus grandes femmes chefs d’orchestre au monde, alors qu’elle se prépare pour le joyau de sa carrière : une interprétation en direct de la cinquième symphonie de Mahler. (Mahler n’a jamais été satisfait de son achèvement.) En tant que chef d’orchestre principal de l’Orchestre philharmonique de Berlin, elle ne semble guère en avoir besoin – le monde est déjà amoureux d’elle. En fait, lorsque nous rencontrons la célèbre maestro pour la première fois, elle est dans les coulisses, attendant d’être interviewée par de vrais New yorkais l’écrivain Adam Gopnik. (« Si vous êtes ici, alors vous savez déjà qui elle est », dit Gopnik avec enthousiasme. « Et c’est l’une des figures musicales les plus importantes de notre époque. »)

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Lydia se façonne d’après ses héros musicaux, recréant même la couverture du cinquième de Mahler pour ses propres documents de presse. Elle est l’une des 15 seules EGOT. (Emmy, Grammy, Oscar, Tony.) Lentement, cependant, des fissures commencent à apparaître dans sa fondation. Qui est la jeune femme rousse qui regarde du fond de l’auditorium ? Quel est cet étrange bruit de tic-tac en pleine nuit ? Les vieux secrets et les méfaits reviennent hanter Lydia – les poulets reviennent se percher – et menacer sa mythologie autodidacte. Au moment où nous apprenons à connaître le vrai chef d’orchestre, nous ne sommes que trop conscients de ses défauts. Mais avant d’arriver à sa chute, nous devons voir Lydia Tár dans son état naturel.

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Celui-là

Cate Blanchett dans le rôle de Lydia Tár dirigeant dans TÁR.
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On fait beaucoup de temps à Tár. En elle New yorkais interview, Lydia explique à Gopnik qu’en tant que chef d’orchestre, elle garde le temps. Décider quand s’arrêter, quand commencer, quand ralentir – ce sont tous des éléments qu’elle peut contrôler pour influencer le résultat créatif de la pièce. C’est peut-être d’autant plus intentionnel, alors, que l’un des meilleurs moments du film est tourné en une seule prise. Dans ce document, Tár enseigne une classe à Juilliard, le célèbre collège des arts du spectacle de New York. Le moment est présenté comme mineur pour Lydia – une chance de se montrer devant des aspirants débutants sur le terrain – et pourtant nous avons le sentiment que quelque chose de majeur est sur le point de se produire. Elle regarde en tant qu’étudiant en direction d’orchestre nommé Max (Zethphan Smith-Gneist) présente une pièce d’une compositrice islandaise contemporaine, façonnée pour évoquer les paysages de son pays natal. Contrairement à la bibliothèque de Lydia, le son est atmosphérique et amorphe, et elle repousse brusquement, immédiatement hostile. (« Eh bien, je peux voir pourquoi vous choisiriez de diriger une pièce comme celle-ci. Ça doit être un plaisir familier de présider un lit de cordes qui se comportent comme si elles s’accordaient. »)

Déjà, nous sommes prêts à tirer du sang, et ce qui commence comme une conversation sur la musique se transforme rapidement en une dispute sur l’identité. « Je ne suis pas vraiment fan de Bach », dit Max avec hésitation. Lydia n’arrive pas à y croire. « Honnêtement, en tant que BIPOC, personne pangenre, je dirais que la vie misogyne de Bach m’empêche de prendre sa musique au sérieux. » La réponse frustrée et dédaigneuse de Lydia efface tout espoir que nous avions pour une session normale. L’adhérence rigide et lente du plan au temps normal renforce la tension qui commence à s’insinuer dans les bords de cette scène implacable. Incapables de détourner le regard, nous sommes collés à l’inconfort qui se répand lentement dans la salle de classe stérile. La jambe de Max commence à trembler nerveusement alors même qu’il rit aux tentatives impétueuses d’humour de Lydia. Sa mâchoire fonctionne. Nous commençons à réaliser que, même si Lydia ne le voit pas, son comportement est passé de sympathique à menaçant. Elle pointe son poing vers le visage de Max pour faire valoir un point. Elle attrape sa jambe pour l’empêcher de trembler.

Finalement, c’est mis à nu : Lydia est lesbienne. Elle a appris à aimer Bach à travers ses hésitations. Pourquoi Max ne devrait-il pas être obligé de faire la même chose ? (Si elle a lutté, pourquoi les autres ne devraient pas le faire ?) Au moment où l’élève sort de la classe, Lydia a clairement exprimé son objection. « Mais voyez-vous, le problème de vous inscrire en tant que dissident épistémique ultrasonique est que si le talent de Bach peut être réduit à son sexe, son pays de naissance, sa religion, sa sexualité, etc. », dit-elle à Max, son ton s’assombrissant, « Alors alors peut le vôtre. » Sa conviction que le chef d’orchestre doit devenir un vaisseau – qu’il doit effacer son sens de soi afin de rendre justice à la musique – s’oppose à l’évaluation de Max de l’art à la fois par son produit et sa trame de fond. Tendue et palpitante, cette scène est emblématique de quelque chose de plus grand : l’ignorance de Lydia – peut-être volontaire – de son propre pouvoir et de sa capacité à blesser les autres.

La scène est un microcosme

Lydia Tár sur fond sombre dans TÁR.
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Ce n’est que plus tard dans le film que nous voyons les ramifications de l’explosion de la classe de Lydia. Une vidéo de téléphone portable éditée rassemble tous ses moments les plus choisis, en panoramique sur les photos de réaction des étudiants. Ses paroles, insiste-t-elle devant une chambre froide pleine de représentants et d’associés d’affaires, ont été sorties de leur contexte. Mais l’ont-ils été ? Après tout, nous y étions. Peu importe dans quel contexte elle a dit un terme offensant, par exemple, il a quand même été prononcé. L’absence de montage de la scène garantit que le public sait exactement ce qui a été dit dans son contexte exact. Il est désormais impossible d’évaluer la scène de manière influencée : ce que nous en retirons, ainsi que les personnes avec qui nous nous rangeons, en dit long sur nous-mêmes.

De cette façon, la scène unique agit comme un microcosme – à la fois du film et de nos affrontements culturels actuels. Peut-être que Lydia elle-même explique le mieux son point de vue : « Vous devez vous sublimer, votre ego, et oui, votre identité. Vous devez en fait vous tenir devant le public et Dieu et vous anéantir. » À la fin de Todd Field Entrepôtnous comprendrons exactement ce qu’elle veut dire.

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